Invisible

Odalis Valdivieso

DEL 18 DE SEPTIEMBRE AL 30 DE OCTUBRE
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Entrevista a Odalis Valdivieso
Por Félix Suazo en el marco de la exhibición Invisible.


Sin título

Sin título, 2016, tinta sobre lino, 50 x 40 x 13 cm, Berlín


Félix Suazo: Desde hace varios años vives fuera de Venezuela. ¿Cómo incide esta experiencia en tu trabajo artístico?

Odalis Valdivieso: Cada lugar maneja aspectos locales y globales que los acercan y separan culturalmente. Estos cambios de contexto me han afectado como es obvio, de ahí que mi trabajo también ha recibido esa influencia.

FS: ¿Qué aspectos de tu formación artística en Venezuela y el extranjero consideras relevantes para el desarrollo actual de tu actividad profesional en el campo de las artes visuales?

OV: Mi formación en el Instituto de Diseño de Caracas y en el Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón sembraron los inicios de mi pensamiento artístico, el cual posteriormente se ha ido enriqueciendo en los lugares en los que he invertido más tiempo viviendo o estudiando. Desde la construcción geométrica a la abstracción, han sido muchos los referentes locales e internacionales que he me han interesado. De ahí que lo que produzco refleja la absorción de esta amalgama entre experiencia y conocimiento.

FS: ¿Qué papel tienen los medios artísticos en la configuración del significado en tus obras?

OV: Me valgo de medios que domino para comunicar mis ideas. En esta muestra por ejemplo, uso la pintura, la cual uso recurrentemente desde hace varios años, como también impresiones, recurso que empleo desde los inicios de mi carrera. La proyección -sin embargo- es algo más nuevo al igual que la instalación. El papel de cada uno de los medios determina una capa dentro de las múltiples que el trabajo requiere a mi parecer. Esta muestra se desarrolla desde la premisa de la superposición de capas, de ahí que tenía sentido el plantearme la aplicación de diferentes materiales y medios.

FS: ¿Qué es lo determinante en tu trabajo: la forma o el código?

OV: El sistema que aplico especialmente en esta exposición responde a cuestionamientos, no sólo de las formas y su ocupación del espacio, sino también se ve informado de problemáticas para entender —desde el cuerpo— la digitalización de mi propia existencia. Me es complicado expresarlo, pero puedo decir que hay elementos conductores que se manifiestan en series anteriores, lo cual demuestra una suerte de metodología o sistema de trabajo que se repite en el tiempo.

FS: ¿Qué función tienen los dispositivos instalatorios como repisas y paneles en tu propuesta? ¿esos dispositivos forman parte de la obra o son parte de una estrategia de presentación circunstancial?

OV: Estos dispositivos ayudan a validar mi idea de crear capas de información que le dan prioridad de visibilidad a ciertos trabajos y que bloquean a otros. Estos me sirven como estrategia de presentación y representación para esta muestra exclusivamente, lo cual no implica que pueda utilizar ideas similares posteriormente.

FS: ¿Cómo dialogan lo material y lo digital en tu propuesta?

OV: Como te has dado cuenta, me valgo de materiales varios y sistemas diversos para realizar el trabajo. Uso el escáner, la fotografía, la pintura en tinta, acuarela y plaka; fotocopias e impresiones en Riso. Todo ello busca dialogar entre lo pictórico versus lo impreso. Entre los reproducible y lo único.

FS: ¿Con qué aspectos del mundo visible se relaciona tu obra?

OV: Con los apilamientos o agrupaciones de cosas. Con estructuras y objetos en la ciudad.

FS: ¿Cuál es la idea central de la exposición invisible?

OV: Invisibilidad es la capacidad de un objeto de no ser visto, lo cual no niega su existencia ni valida su desaparición. De ahí que trabajo con objetos que se hacen invisibles en la medida en que son cubiertos por otros. Es un concepto bastante básico, sin embargo, conlleva a otros más inherentes como el network y la condición pos-humana.

FS: invisible es tu primera muestra individual en Venezuela. ¿Qué significa esta experiencia para ti?

OV: Desde hace mucho tiempo he querido mostrar lo que hago en Venezuela. Sin embargo por razones personales y profesionales, es sólo ahora que esto ha cristalizado. La concepción de esta muestra parte de una serie de tres individuales concebidas como una investigación progresiva. La primera Suite Arrítmica se llevó a cabo en el 2015 en el Museo de Arte y Diseño del Miami Dade College. invisible es la segunda parte, y una tercera se llevará a cabo posteriormente en Berlín. La misma a sido pensada ajustándome a las condiciones presentes. Las obras han sido realizadas de manera fácilmente transportable para evitar complicaciones logísticas. Muchos han sido mis miedos para llevar a cabo esta exposición debido a que no visito Venezuela frecuentemente y he perdido contacto con los procesos locales. Sin embargo, me gusta la idea de poder compartir con familiares, amigos, colegas y una nueva audiencia el producto de mi trabajo.

FS: ¿A qué te refieres cuando hablas de “apilamiento"?

OV: Me refiero al ‘stacking’ o acumulación por entrada de data en la red. Por ejemplo, el software de Facebook examina quienes son tus amigos mas frecuentados, dándole prioridad de visibilidad a ellos y por ende, reduciendo la de otros. Mientras más ves algo en la red, menos veras otras cosas. Eso conlleva a que los algoritmos deciden el orden de prioridad de las cosas que vemos en la red. Algunos teóricos proponen que estos diferentes géneros de cómputo, redes inteligentes, plataformas de nube, aplicaciones móviles, automatización inteligentes de ciudades, cosas en la internet, pueden ser vistos no tanto como especies evolucionando por su propia cuenta, sino como formando un todo coherente: una megaestructura accidental llamada la pila que es un aparato computacional y una nueva arquitectura de gobierno. Estamos dentro de la pila y la pila está dentro de nosotros.

FS: ¿A qué llamas tú "políticas de la corporeidad, visibilidad e invisibilidad”?

OV: Me refiero a que podemos hacernos visibles o invisibles en la red. Sin embargo, como cuerpo estamos cada vez más sometidos a una condición pos-humana que se manifiesta en un aumento de presencia digital más alta lo cual de alguna manera, reduce nuestro intercambio corporal. Más personas trabajan desde casas o cafés, detrás de monitores, prestando servicios a empresas y personas que nunca ven físicamente. Nuestra presencia a través de video conferencias afecta inclusive la manera como establecemos nuestras relaciones. En mi caso por ejemplo, viviendo fuera, dependo de estas nuevas formas para mantener cercanía con los míos. Sin embargo, ¿soy yo la misma que se proyecta a través del otro lado de la pantalla o es simplemente una representación mía? ¿Acaso desaparezco como cuerpo y aparezco como dígito?

FS: ¿Podría decirse entonces que tu trabajo funciona como una metáfora corpórea o corporizada de las estrategias de aparición y ocultamiento que se manifiestan en las redes sociales?

OV: No necesariamente, sin embargo, para esta muestra he tenido en mente ideas sobre la desmaterialización y la percepción que esto produce en mí y en la audiencia.

FS: ¿Cómo te plateas el proceso de reflexión conceptual en torno a la obra?

OV: Mi trabajo está informado por el trabajo de estudio, lo que leo, como también por otras cosas que veo, escucho y siento. Sin embargo, el proceso de ejecución abre paso a un tiempo de reflexión y argumentación sobre lo que hago. De ahí se generan conceptos como también sistemas o métodos. Las ideas cambian con las nuevas obras, unas simplemente se eliminan y otras se modifican. Usualmente una búsqueda accidental puede conllevar a otra y eso da cabida a una argumentación de conceptos nuevos. En mi obra reciente, la transparencia tiene un lugar importante, pero con ella, conceptos de invisibilidad, capas, planitud, arrastre o repetición, estructura y serialidad parecieran mantenerse una vez más como continuación de mi investigación. Una forma apilada en el fondo, detrás de otras, no desaparece sino que se hace silente, sometiéndose a la presencia de las que se posicionan sobre ellas. Como arrastre, quiero hablar de ese reciclaje de recursos para usar ciertas formas en una serie y luego arrastrarlas a una nueva con enfoques diferentes. Por ejemplo, esos recuadros curvilíneos y cuartos de óvalos o esferas son formas que traigo conmigo de series anteriores. Igual pasa con los materiales y con la forma en que los aplico. De ahí que la manera de ocupar el espacio y las formas que en este caso son concretas, siguen siendo de mi interés.

FS: Algunas personas, incluyendo un sector de la crítica especializada y el público, consideran que el arte contemporáneo es “hermético” e “insípido”. ¿Qué opinión te merece este criterio?

OV: Hablar sobre formas de percepción de productos visuales es siempre complejo. La obra –espero– que responda a problemáticas de su tiempo. Uno hace el trabajo, lo piensa, lo instala, lo observa dentro y fuera del estudio, inscrito o no dentro de espacios neutros o domésticos, relacionados o no con obras propias o de otros artistas. Pero la obra también es leída por una audiencia. Ella se muestra como el residuo de la experiencia estética del artista y simultáneamente genera otras experiencias. Ese mismo objeto no cuestiona su lenguaje porque simplemente existe y eso es un hecho indiscutible. Aún así, cada tiempo condiciona modelos de pensamiento diferentes. El arte no significa lo mismo para todo el mundo. Eso está bien, debido a que el mismo idealmente es un síntoma de su tiempo, y como comentador, define su audiencia.

El arte es medio, es experiencia, es reacción, pero es preponderantemente hecho y eso trasciende el tiempo y las formas de pensamiento también.

*Félix Suazo es investigador, curador y profesor. Actualmente se desempeña como Gerente de la Sala TAC, miembro del equipo curatorial de El Anexo/Arte Contemporáneo y docente de la Universidad Nacional Experimental de las Artes en Caracas, Venezuela.

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Horario de apertura al público de martes a sábado de 1 a 7 pm y los domingos de 11 am a 5 pm | Entrada libre

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